Übersetzung aus dem Italienischen:
Auf dem Jahrmarkt des Lebens:
Natur und Kultur im Zeichenkarussell von Anija Seedler
Ich lernte die Arbeit von Anija Seedler aus einer privilegierten Perspektive kennen – während ihres Aufenthalts in Italien am Teatro Comunale in Bologna, inzwischen etwa zehn Jahre her. Damals war sie eine junge, brillante Künstlerin aus Dresden, die ein Stipendium als Kostümassistentin erhalten hatte. Ich hatte zudem das Vergnügen, ihr bei der Arbeit zuzusehen – eine der ersten konkreten künstlerischen Erfahrungen meines Lebens.
Zu jener Zeit entwarf sie Kostüme für eine experimentelle Theaterproduktion. Sie arbeitete mit Draht, Metall und Materialien aus dem Baumarkt und schuf regelrechte Bühnenlandschaften, die sich wie Kulissen um die Körper der Schauspieler öffneten. Die Vorliebe für Schwarz-Weiß sowie die feine Spannung hin zu schematisch-geometrischen Formen verrieten sofort den Einfluss des Kubismus, der frühen russischen Avantgarden und vor allem des Bauhauses.
Das Interesse an der Behandlung der körperlichen Volumen hatte sich bereits mit den fragmentierten Bewegungsabläufen von Tanz und Pantomime verbunden. Die Kostüme folgten dieser strukturellen Spannung und machten eine mechanisch-ästhetische Zeitlichkeit sichtbar, wie sie für die Avantgarde typisch ist. Eine Schönheit, die zugleich als Gegenpol zu den Erfahrungen zeitgenössischer Starrheit und Entfremdung wirkte.
Dennoch war bereits in diesen Arbeiten etwas anderes spürbar. Anija fotografierte die Inszenierungen und fertigte Skizzen in Aquarell und Tusche von Bühnenbildern und Balletten an. Darin zeigte sich eine tiefere Wurzel – weniger futuristisch als vielmehr archaisch. Sie fand ihren symbolischen Ausdruck in der Wiederholung von Bewegungen und der Anordnung der Körper: in einer bereits angelegten märchenhaften Metapher, in der sich Alice im Wunderland, die Märchen der Brüder Grimm und die surrealistische Atmosphäre verstörender Szenerien miteinander vermischten.
Arme oder wiederverwendete Materialien bildeten die Grundlage einer Praxis, die sich gesellschaftliche Überreste aneignete. Ebenso gehörte dazu die politische Entscheidung, sich den Randbereichen zuzuwenden – den Jahrmärkten, Straßenkunst- und Busker-Festivals, an denen sie gemeinsam mit ihrem Partner, einem erfahrenen Jongleur, quer durch Europa teilnahm.
Zehn Jahre und zwei Kinder später hat ihre Arbeit eine schwebende, lyrische Richtung eingeschlagen. Die gebrochenen Linien der Körperhaltungen und die barock-sci-fi-artige Ästhetik ihrer frühen Kostümarbeiten sind einer feineren Sprache gewichen. Sie widmete sich der Illustration und machte dabei ihre Leidenschaft für Choreografie und Zirkus fruchtbar.
Der Zirkus als Metapher des Lebens ist zugleich der symbolische Ort eines inneren Karussells, in dem – wie in einer Arche Noah – die Tragödien von Gefangenschaft und Schmerz ebenso eingeschlossen sind wie jene von Freude und Wahnsinn.
Der Zirkus ist die entrückende Erfahrung eines nomadischen Lebens in einer globalisierten Welt. Er ist das Fortleben von Ritualen, Spezialisierungen und Berufen, die vom Verschwinden bedroht sind. Er ist Auffangbecken einer verlassenen und irritierenden Menschheit der Jahrmarktsattraktionen, zugleich aber auch die erschütternde Zärtlichkeit eines eingesperrten Tieres oder die Meisterschaft eines Trapezkünstlers, der uns die Erfahrung des Fliegens selbstverständlich erscheinen lässt – wie ein Ballett der Seele, schwebend zwischen Staunen und Unglauben in den Augen eines Kindes.
So lösten sich ihre Aquarelle zunehmend auf und begannen über ihre ursprünglichen Grenzen hinauszuwachsen. Aus den kleinen Postkartenformaten, die sie zuvor für Bühnenentwürfe bevorzugte, wurden großformatige Arbeiten, beinahe so groß wie die Tiere selbst, die sie darstellten. Als suche die Geste nach einem Maßstab, der dem Atem und der physischen Präsenz eines Elefanten oder eines Gnus entspricht.
Auf diese Weise entstand das fantastische Bestiarium ihrer selbst publizierten Künstlerbücher und Leporellos. Ihre Mitarbeit an zahlreichen Kinderbüchern bereicherte diese spielerisch-märchenhafte Ader zusätzlich. Die Hand wurde freier, die Farben explodierten in warmen und nuancierten Tönen, während die scharf gegeneinandergesetzten Kontraste der frühen Arbeiten zunehmend verschwanden.
Auch die Wahl ihrer Motive – vom unendlich Großen bis zum unendlich Kleinen – offenbart einen alternativen Blick auf die Welt: einen Blick, der selbst das stumme Leben eines Insekts mit tiefer Poesie erfüllen kann.
Alla fiera della vita:
natura e cultura nelle giostra segniche di Anija Seedler
Ho conosciuto il lavoro di Anija Seedler da una posizione privilegiata, durante il periodo del suo studio in Italia al teatro comunale di Bologna, ormai circa 10 anni fa. Una giovane e brillante artista di Dresda, che aveva vinto una borsa di studio come assistente costumista. Ho anche avuto il piacere di vederla lavorare, una delle prime esperienze artistiche concrete della mia vita. Costruiva, in quel periodo, vestiti per uno spettacolo di teatro di ricerca, lavorando fili di ferro e materiali da ferramenta, scolpendo vere e proprie scenografie che si aprivano come quinte attorno al corpo degli attori. La predilezione per il bianco e nero e una raffinata tensione verso le forme schematico-geometriche, tradiva subito l´influenza del cubismo, delle prime avanguardie russe, ma sopratutto della bauhaus. L´interesse per la trattazione delle forme volumetriche del corpo aveva gia incrociato la frammentazione die passi coreografici della danza e della performance mimica. Questi abiti dovevano seguire tale tensione strutturale, evidenziando una tempistica meccanico-estetica tipica del discorso dell´avantgardia. Un plusvalore di bellezza che rendeva il contraltare della rigiditá e dell´alienazione contemporanea.Ciononostante giá in questi lavori era forte – poiché Anija interveniva anche fotografando o facendo schizzi di acquerello e china delle messe in scene e die balletti – il senso di una radice ulteriore, meno futuristica e piu ancestrale, che troveva una spiegazione simbolica nella reiterazione die movimenti e nella disposizione die corpi: una metafora favolistica giá strutturata, in cui si mescolavano Alice nel paese delle meraviglie, i fratelli Grimm e l´influsso surrealista di certe ambientazioni perturbanti. I materiali poveri o di recupero erano la base fondante di un lavoro di riappropriazione degli scarti sociali, cosi come la scelta politica di lavorare sulle marginalitá, nelle fiere e nei festival die buskers cui prendeva parte in giro per l´europa con il suo compagno, esperto giocoliere. Dopo dieci anni e due figli, il suo lavoro ha preso una direzione sospesa e lirica. Abbandonate le linee spezzate delle pose e la declinazione da fantascienza barocca delle sue prime prove costumistiche, ha coltivato la linea delicata dell´illustrazione per l´infanzia, facendo tesoro della sua passione per le coreografie e per il circo. Il circo come metafora della vita è anche il luogo simbolico di una giostra interiore, in cui- come in una sorta di arca di Noé- sono rinchiuse le tragedie della cattività e del dolore ma anche quelle della gioia e della follia. In una parola il circo é anche l´esperienza derealizzante di una vita nomade practica in epoca globale, la sopravvivenza di un rito specializzazioni e mestieri in via di estinzione, il ricettacolo dell´umanità derelitta e spiazziante die fenomeni da baraccone ma anche l´atroce tenerezza di un animale in gabbia o la bravura di un trapezista che rende facile ai nostri occhi l´esperienza del volo, come un baletto dell´anima sospesa nell´incredulitá stupita degli occhi di un bambino. Cosi i suoi acquerelli si sono sciolti, fino a strabordardare – dalle piccole cartoline che prediligeva precedentemente per i suoi bozzetti di scena – in veri e propri arazzi grandi quasi quanto gli animali veri. Come ad identificare una sorta di misura del respiro del gesto che sequita la mole esotica di un elefante o uno gnu. Nasce cosi il bestiario fantastico delle sue plaquette illustrate, autoprodotte in piccoli formati che si aprono a fisharmonica. Le collaborazioni a molti libri per l´infanzia poi, arricchiscono questa vena ludico-fiabesca, che ha sciolto la sua mano in una esplosione di colori dai toni caldi e sfumati, cui sono assenti le forze giustapposte e contrastive die primi lavori. Anche la scelta die soggetti – dall´infinitamente grande all´infinitamente piccolo-, mette in luce un punto di vista alternativo, capace di rendere profondamente poetica anche la vita muta di un insetto.
At the Fair of Life:
Nature and Culture in the Signifying Carousel of Anija Seedler
I first encountered the work of Anija Seedler from a privileged vantage point, during her time in Italy at the Teatro Comunale in Bologna, now more than a decade ago. She was then a young and remarkably talented artist from Dresden who had received a scholarship to work as a costume assistant. I also had the opportunity to watch her at work—one of the first truly formative artistic experiences of my life.
At that time, she was creating costumes for an experimental theatre production, working with wire, metal, and everyday hardware materials. She sculpted genuine stage environments that unfolded like theatrical wings around the bodies of the performers. Her preference for black and white, combined with a refined attraction to schematic and geometric forms, immediately revealed the influence of Cubism, the early Russian avant-gardes, and above all the Bauhaus.
Her interest in the volumetric treatment of the body had already intersected with the fragmented movements of choreography, dance, and mime. These costumes followed a structural logic that emphasized a mechanical and aesthetic sense of timing characteristic of avant-garde experimentation—a surplus of beauty that stood in deliberate contrast to the rigidity and alienation of contemporary life.
Yet even in these early works another impulse was already present. Alongside her costume practice, Anija photographed performances and created watercolor and ink sketches of theatrical productions and ballets. Through these works emerged a deeper root—less futuristic and more ancestral—which found symbolic expression in the repetition of gestures and the arrangement of bodies. A fully formed fairy-tale metaphor was already taking shape, one in which Alice in Wonderland, the tales of the Brothers Grimm, and the surrealist atmosphere of uncanny dreamlike settings intertwined.
The use of humble and reclaimed materials formed the basis of a practice concerned with reclaiming what society had discarded. Equally significant was the political choice to engage with forms of marginality, participating in fairs and busker festivals throughout Europe alongside her partner, an accomplished juggler.
Ten years and two children later, her work has evolved toward a more suspended and lyrical direction. Leaving behind the fractured poses and the fantastical baroque futurism of her early costume experiments, she cultivated the delicate language of children’s illustration, drawing deeply on her enduring fascination with choreography and the circus.
The circus, as a metaphor for life, becomes the symbolic site of an inner carousel—a place where, as in a kind of Noah’s Ark, the tragedies of captivity and suffering coexist with those of joy and madness. More broadly, the circus embodies the disorienting experience of a nomadic life in the global age; the survival of rituals, skills, and professions threatened with extinction; a refuge for the bewildering humanity of sideshows and outcasts. Yet it is also the heartbreaking tenderness of an animal in a cage, or the mastery of a trapeze artist who makes flight appear effortless before our eyes—a ballet of the soul suspended in the astonished disbelief of a child.
Gradually, her watercolors expanded beyond their former limits. What had once been small postcard-sized sketches for theatrical projects overflowed into works approaching the scale of the animals they depicted. It was as though she were searching for a measure capable of matching the breath and physical presence of an elephant or a wildebeest.
From this emerged the fantastic bestiary of her illustrated artist’s books and self-published leporellos, unfolding accordion-like in intimate formats. Her collaborations on numerous children’s books further enriched this playful and fairy-tale-inflected dimension. Her hand loosened into an explosion of warm, nuanced colors, leaving behind the stark juxtapositions and sharp contrasts that characterized her earlier work.
Even her choice of subjects—from the infinitely large to the infinitely small—reveals an alternative way of seeing, one capable of rendering even the silent life of an insect profoundly poetic.
If you are interested in this artwork, please send an email to info@anija-seedler.de